CARULLI

Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nasceu em Nápoles no dia 9 de fevereiro de 1770, filho de um literato, Michele Carulli.

Foi um dos mais famosos compositores clássicos e violinistas da história, além de ser o autor do método completo para violão mais conhecido no mundo, o qual continua a ser usado.

Fernando Sor

Aprendeu muito cedo solfejo e teoria musical com um padre, que também era um músico amador. 

Teve o violoncelo como seu primeiro instrumento musical, até que aos vinte anos descobriu o violão e desenvolveu seu próprio estilo de tocar. Não há notícias de bons mestres de violão em Nápoles naquele tempo. No entanto, como observa Sávio em seu artigo sobre Carulli (Violão e Mestres nº 5): "Sem dúvida deve ter encontrado professores de pouca projeção que lhe ensinaram os primeiros passos no instrumento".

Carulli era um artista talentoso. Suas apresentações em Nápoles eram tão populares que logo iniciou turnê pela Europa.

Em 1.801, Carulli casou-se com a francesa Marie-Josephine Boyer com quem teve um filho, Gustavo. Anos mais tarde começou a compor em Milão, onde contribuiu com as publicações locais.

Visitou Paris pela primeira vez em 1808, tendo sido recebido com entusiasmo comparável àquele dispensado pelo público parisiense a Sor e a Giuliani. Como concertista, Carulli foi exímio. Na época a cidade era conhecida como a "capital mundial da música".

Gragnani

Estabeleceu-se em Paris pelo restante de sua vida e contribuiu para a fama e a popularidade do violão entre a classe rica parisiense.

Seus contemporâneos elogiaram, entre outras qualidades, sua execução ágil e fluente.

Também em Paris que se tornou seu próprio editor e publicou a maioria de suas obras, aquelas que ele considerava seguras, para a aceitação de outros editores e para o ensino técnico aos iniciantes, além de obras de outros violonistas proeminentes, incluindo Filippo Gragnani de quem era amigo e que mais tarde dedicou três duetos de violão para Carulli, entretanto acredita-se que uma grande parte de suas grandes obras nunca foi publicada.

Pierre Rene Lacote

Carulli foi um dos compositores mais prolíficos do seu tempo, e deixou mais de 300 obras que vão desde os "Solfejos com acompanhamento de violão", passando por concertos para violão e pequena orquestra, até um método para acompanhar o canto ao violão. 

Também compôs algumas peças para violão e piano com seu filho Gustavo. Ele escreveu obras para orquestra de câmara e outros conjuntos.

Carulli propôs mudanças na construção do violão. Com Pierre Rene Lacote, um luthier francês, elaborou mudanças no instrumento, melhorando sua sonoridade.

Violonistas clássicos gravaram muitas de suas obras. Indiscutivelmente a sua peça mais famosa é um dueto de violão e flauta, que foi gravada por Alexandre Lagoya e Jean-Pierre Rampal, embora o Duo Op.34 tenha alcançado fama na Grã-Bretanha como um tema cultuado da ficção científica em "The adventure game" (O Jogo de Aventura - 1980) na TV britânica. O Duo Op. 34 tem muitas versões, sendo a de Julian Bream e John Williams, a mais famosa.

Focado em peças simples, em 1825, Carulli escreveu seu método mundialmente famoso de violão clássico, "Harmonia aplicada ao violão". No momento da publicação, o método era muito popular e teve várias reedições.

Como didata, Carulli inova e seus estudos são ricos de musicalidade espontânea. A inclusão, no seu método, de duos para serem executados por professor e aluno, representa uma nova abordagem didática. 

Sendo o violão um instrumento autossuficiente, o instrumentista é, quase sempre, um solitário em sua arte e por isso a música de conjunto, além de melhorar seu senso rítmico e sua leitura à primeira vista, certamente lhe trará vantagens de ordem psicológica, tirando-o, ainda que ocasionalmente, de sua solidão quase que compulsória.

Escreveu um número considerável de duos para dois violões, alguns dos quais gozam de grande popularidade até em nossos dias. Os 24 estudos que se encontram em seu método são progressivos e excelentes para iniciar o aluno no aprendizado da dinâmica e do fraseado, bases de uma boa interpretação.

Na década de 1830, muitos violonistas europeus seguiram para Paris, aparentemente, "atraídos pela sua personalidade". Com tantos outros músicos em Paris, Carulli trabalhou mais com o ensino, e logo teve membros da nobreza parisiense entre seus alunos.

Carulli faleceu em 17 de fevereiro de 1.841.

Curiosidade:

Há na Zona Leste de SãoPaulo, no Jardim Gianetti, uma rua com o seu nome.

Conheça um pouco de sua obra

MARCUS VIANA

Marcus Viana, nascido em Belo Horizonte no dia 13 de agosto de 1953, é um compositor e multi-instrumentista que desde a década de 70 desenvolve uma significativa produção musical, tanto no Brasil quanto no exterior. Filho de Sebastião Viana, um flautista e maestro que foi assistente e revisor das obras de Villa Lobos, recebeu no lar sua iniciação na música.

Sebastião Viana

Carl Flesch

Mesmo em contato com a música desde nascido, foi apenas aos 13 anos de idade que Marcus iniciou o estudo do violino, através do professor húngaro Gabor Buza, um discípulo de Carl Flesh.

Entre 1972 e 1973, Marcus viveu no estado norte-americano da Pensilvânia, participou da Orquestra Sinfônica de Harvertown coincidindo com o momento em que deu seus primeiros passos como compositor.

De volta ao Brasil, Marcus classifica-se como violinista titular da Sinfônica de Minas Gerais, lá permanecendo por sete anos. Ao mesmo tempo, incursa no rock progressivo, inspirado em bandas como Yes e outras que ao longo da década de 1970 atingiam seu auge. 

Ingressou na banda progressiva Saecvla Saecvlorvm, que contava com os também virtuosos Giácomo Lombardi (teclado e piano) e José Audísio (guitarras) e, posteriormente nas bandas Conclave dos Druidas e Ícaro.

Em 1979, fundou o grupo Sagrado Coração da Terra com a proposta de misturar vocal e instrumental sinfônico numa linha pop progressiva. 

A banda enfatizava questões ecológicas, ambientais e espirituais, proposta esta que até hoje rege a banda, que se tornou ícone do movimento progressivo nacional e internacional, embora desde meados dos anos 1990 divide sua importância com a carreira solo de Marcus, que atua como compositor de trilhas para TV, cinema, teatro, ballet e musicais infantis.

Nos anos 80, participou de tournées e gravações com Milton Nascimento e outros membros do “Clube da Esquina 2” como Beto Guedes, Lô Borges e Flavio Venturini.

Fundou sua própria gravadora, Sonhos & Sons, na primeira metade da década de 1990.

Fundou também a Transfônica Orkestra, grupo de música instrumental que funde elementos sinfônicos às raízes brasileiras e afro-ameríndios.

Seu trabalho paralelo aos grupos é reconhecido internacionalmente, expressando-se, por exemplo, com sua indicação ao Grammy Latino de 2001 pelo o disco Música das Esferas - Terra na categoria de "Melhor Álbum Instrumental Pop", um disco inspirado na natureza feito sem qualquer pretensão comercial.

Música de cura e esoterismo - O disco Terra é parte de uma série de álbuns sobre os elementos da natureza intitulada Música das Esferas. Os outros são: Canções do Éden, Acqua, Aere, Ignis. "Terra muda a frequência vibratória de um ambiente. Esse disco está sendo adotado por vários especialistas como música de cura, e é muito usado no meio holístico para meditação.''

Em 2007, voltou a atuar com os músicos Giácomo Lombardi e José Audísio na banda Saecvla saecvlorum, com nova formação, em um show na Praça do Papa, em Belo Horizonte – MG.

Um dos principais compositores da música instrumental brasileira, principalmente de trilhas sonoras para cinema e TV, com as quais alcançou projeção nacional. Marcus Viana é o músico brasileiro independente com maior número de CDs lançados no mercado nacional e internacional, com quase 50 títulos que vão desde música instrumental, MPB e trilhas sonoras passando pela música infantil, new age, clássica, contemporânea e rock progressivo.

Entre seus maiores sucessos para TV brasileira destacamos as trilhas compostas para as novelas “Pantanal”, “Ana Raio e Zé Trovão”, “Chiquinha Gonzaga”, “Terra Nostra”, “Aquarela do Brasil”, “O Clone” e “A Casa das Sete Mulheres” e para os filmes “Olga”, “Filhas do Vento” e “O Mundo em Duas Voltas”.

Criou uma distribuidora de música independente, a “Sonhos e Sons”, que hoje tem em seu catálogo mais de 300 títulos e congrega artistas brasileiros dos mais variados estilos musicais. A Sonhos e Sons é hoje distribuída na América do Norte, Europa e Ásia e aos poucos se firma como um dos grandes canais da música brasileira no exterior.

Para Marcus, a música é uma ferramenta de cura psíquica e emocional para o ser humano e seus planos para o futuro se inclinam nessa direção: a Pharmácia de Música e a Música das Esferas, projetos onde a arte e a ciência se unem para impulsionar nossa civilização a um novo patamar de consciência.

Relaxe!

AKHENATON

Amenófis era filho de Amenófis III, o nono rei da XVIII dinastia e da rainha Tiy, nasceu no ano de 1372 a.C. 

Amenófis III e Tiy

Cresceu no palácio de Malaqata, localizado a sul da cidade de Tebas. 

Durante o reinado do seu pai o Egito viveu uma era de paz, prosperidade e esplendor artístico. 

Não se sabe muito sobre a sua infância, dado que não era hábito entre os antigos Egípcios documentar a vida das crianças da família real. 

Ao que parece enquanto jovem era fisicamente débil, não lhe agradando as atividades relacionadas com a caça e o manejo de armas. 

Amenófis tinha sido criado para ser sacerdote do templo de Heliópolis, cidade do Baixo Egito que era o centro do culto do deus solar Rá. 

Nefertiti

O trono do Antigo Egito estava destinado ao seu irmão mais velho, o príncipe Tutmés, que era filho de Amenófis III com Giluchipa, uma esposa secundária filha do rei de Mitanni.

Todavia, Tutmés morreu antes do ano 30 do reinado do pai (possivelmente no ano 26) e Amenófis tornou-se herdeiro do trono.

Amenófis IV governou o Egito Antigo entre os anos de 1352 a.C. e 1336 a.C. Foi casado com Nefertiti, que, segundo historiadores, teve grande influência política no reinado do faraó.

No ano 5 do seu reinado o jovem rei decide mudar de nome. De Amen-hotep, nome que significa "Amon está satisfeito" muda para Akhenaton que significa "o espírito atuante de Aton", o que representou o seu repúdio ao deus Amon. 

O rei declarou-se também filho e profeta de Aton, uma divindade representada como um disco solar.

Passou para a história como aquele que fez importantes transformações sociais no Egito, além de ter realizado uma reforma no campo religioso. 

Tutancamon

É considerado o primeiro reformador religioso da história da humanidade, pode ser considerado o criador da ideia do Monoteísmo.

Faleceu no ano de 1336 a.C. Com sua morte, as reformas consideradas impopulares, a obrigação de culto e adoração a um único deus e a reforma religiosa realizada duraram até o início do reinado do faraó Tutancâmon (filho de Akhenaton). 

Os sacerdotes egípcios, que tinham muito poder, retomaram o politeísmo e o culto aos vários deuses do panteão egípcio.

Fontes:sua pesquisa e wikipedia

Um dos compositores mais influentes do final do século XX, Philip Glass descreve-se como um compositor de “música com estruturas repetitivas”.

Philip Glass

A música composta por Philip Glass (31/01/1937 Baltimore, EUA) e o texto vocal extraído de fontes originais por Shalom Goldman. 

Shalom Goldman

O Libretto de Philip Glass com colaboração de Shalom Goldman, Robert Israel e Richard Riddell. Akhnaten é uma ópera em três atos baseados na vida e convicções religiosas do Faraó Akhenaton (Amenhotep IV), a ópera foi escrita em 1983. 

Teve sua estréia mundial em 24 de março de 1984 no Staatstheater Stuttgart, Alemanha.

O texto da ópera, retirado de fontes originais, é cantado nas línguas originais (egípcio, arcadiano, hebraico e linguagem do público), vinculado com o comentário de um narrador em uma linguagem moderna, como inglês ou alemão.

Os textos egípcios do período são tirados de um poema do próprio Akhenaton do Livro dos Mortos e de extratos de decretos e cartas do período de dezessete anos do governo de Akhenaton. 

O Hino de Akhnaten para o Sol é cantado na língua da audiência (faixa 10). Música e músicos de altíssima qualidade muito inspirados, logo no início (faixa 03) temos cerca de 9 minutos ininterruptos com as batidas de tambores (incrível o ritmo perfeito e agressivo em toda a cena). Gosto muito desta ópera moderna, recomendo sem medo.

A ópera é dividida em três atos:

Ato 1: Ano 1 do reinado de Akhnaten em Tebas

Tebas, 1370 a.C.

Prelúdio, verso 1, verso 2, verso 3

As cordas iniciam a ópera dando um clima místico. O escriba recita textos funerários das pirâmides. “Aberto são as portas duplas do horizonte, desbloqueadas estão suas trancas”.

Cena 1: Funeral do pai de Akhnaten - Amenhotep III

A cena apresenta o funeral do pai de Akhenaton, Amanhotep III. Como ponto de partida do trabalho, representa o momento histórico imediatamente anterior ao “período de Amarna” ou ao reino de Akhenaton Ele retrata a sociedade em que as reformas de Akhenaton foram realizadas (reformas tão extremas que pode ser chamado de revolucionário). A ação da cena se concentra nos ritos funerários do Novo Reino da XVIII dinastia. Eles são dominados pelos sacerdotes de Ammon e aparecem como rituais de caráter extraordinariamente tradicional, derivada do livro egípcio dos mortos. A procissão do funeral entra na cena liderado por dois bateristas e seguido por um pequeno grupo de sacerdotes Ammone que era dele O tempo é precedido por Aye (pai de Nefertiti, conselheiro do faraó falecido e do futuro Faraó). Aye e um pequeno coro masculino cantam um hino funerário em egípcio. A música é basicamente uma marcha, e cresce até a intensidade de êxtase no final.

Cena 2: A Coroação de Akhnaten

Após uma longa introdução orquestral, durante a qual Akhnaten aparece, anunciada por uma trombeta solo, o Sumo Sacerdote, Aye e Horemhab cantam um texto ritual. Depois disso, o Narrador recita uma lista de títulos reais concedidos a Akhnaten, enquanto ele é coroado. Após a coroação, o coro repete o texto ritual desde o início da cena.

Cena 3: A janela

Depois de uma introdução dominada por sinos tubulares, Akhnaten canta um louvor ao Criador (em egípcio) na janela de aparições públicas. Esta é a primeira vez que ele canta, depois de já estar no palco há 20 minutos (e 40 minutos para a ópera) e o efeito de sua voz, contratenor,é surpreendente. Ele é acompanhado por Nefertiti, que na verdade canta notas mais baixas do que ele, e mais tarde pela Rainha Tye, cuja soprano sobe bem acima das vozes entrelaçadas do casal real.

Ato 2: Anos 5 a 15 em Tebas e Akhetaten

Cena 1: o templo

A cena abre com o Sumo Sacerdote e um grupo de sacerdotes cantando um hino para Amun, deus principal da velha ordem, em seu templo. A música torna-se cada vez mais dramática, já que Akhnaten, juntamente com a Rainha Tye e seus seguidores, ataca o templo. Esta cena tem apenas um canto sem palavras. As harmonias crescem muito cromáticas. O telhado do templo é removido e o sol deus que os raios de Aten invadem o templo, terminando assim o reinado de Amun e sentando os alicerces para o culto do único deus Aten.

Cena 2: Akhnaten e Nefertiti

Dois solistas introduzem um “tema do amor”. Acompanhado por um trombone solo o Narrator recita um poema parecido com a oração ao deus do sol. As cordas suavemente assumem a música, e o mesmo poema é recitado de novo, desta vez como um poema de amor de Akhnaten para Nefertiti. Então Akhnaten e Nefertiti cantam o mesmo texto um para o outro (em egípcio), como um dueto de amor íntimo. Depois de um tempo, a trombeta associada a Akhnaten se junta a eles como a voz mais alta, transformando o duo em um trio.

Cena 3: A Cidade – Dança

O Narrador fala um texto tirado das pedras da nova capital do império, Akhet-Aten (The Horizon of Aten), descrevendo a construção da cidade, com espaços grandes e cheios de luz. Depois de uma fanfarra de bronze, a conclusão da cidade é celebrada em uma dança alegre, contrastando com a música ritual e ritual com a qual este ato começou. (Na estréia de Stuttgart, a dança realmente descreveu a construção da cidade)

Cena 4: Hino

O que agora segue é um hino ao único deus Aten, uma longa ária de Akhnaten. É excelente, pois é o único texto cantado na linguagem da platéia, louvando o sol dando vida a tudo. Após a aria, um coro fora do palco canta o Salmo 104 em hebraico, datando cerca de 400 anos depois, que tem fortes semelhanças com o Hino de Akhnaten, enfatizando assim Akhnaten como o primeiro fundador de uma religião monoteísta.

Ato 3: Ano 17 e presente

Akhnaten, 1358aC

Cena 1: a família

Dois oboe d’amore interpretam o “tema do amor” do ato 2. Akhnaten, Nefertiti e suas seis filhas, cantam sem palavras em contemplação, são alheios ao que acontece fora do palácio. À medida que a música muda o Narrador lê cartas de vassalos sírios, pedindo ajuda contra seus inimigos. Como o rei não manda tropas, sua terra está sendo apreendida e saqueada por seus inimigos. A cena se concentra novamente em Akhnaten e sua família, ainda inconsciente do país se destruindo.

Cena 2: Ataque e Queda da Cidade

Horemhab, Aye e o Sumo Sacerdote de Aten começam a instigar as pessoas (coro), cantando parte das cartas do vassalo até que finalmente o palácio seja atacado, a família real morreu e a cidade do sol destruída .

Cena 3: as ruínas

A música do início da ópera retorna. O escriba recita uma inscrição no túmulo de Aye, louvando a morte do “herege” e o novo reinado dos deuses antigos. Ele então descreve a restauração do templo de Amun pelo filho de Akhnaten, Tutenkhamun. A música Prelúdio cresce e a cena se move para o atual Egito, para as ruínas de Amarna, a antiga capital Akhet-Aton. O Narrador aparece como um guia turístico moderno e fala um texto de um guia, descrevendo as ruínas. “Não resta nada desta gloriosa cidade de templos e palácios”.

Cena 4: Epílogo

Os fantasmas de Akhnaten, Nefertiti e Rainha Tye aparecem, cantando sem palavras entre as ruínas. A procissão fúnebre do início da ópera aparece no horizonte, e eles se juntam a ela.

Act I: Year 1 of Akhnaten’s Reign – Thebes

1. Prelude: Refrain, Verse 1, Verse 2 10:44

2. Prelude: Verse 3 0:40

3. Scene 1: Funeral of Amenhotep III 8:59

4. Scene 2: The Coronation of Akhnaten 17:15

5. Scene 3: The Window of Appearances 9:03

Act II: Years 5 to 15 – Thebes and Akhetaten

6. Scene 1: The Temple 12:47

7. Scene 2: Akhnaten and Nefertiti 10:10

8. Scene 3: The City 2:30

9. Scene 3: Dance 5:10

10. Scene 4: Hymn 13:35

Act III: Year 17 and the Present – Akhetaten

11. Scene 1: The Family 11:36

12. Scene 2: Attack and Fall 7:43

13. Scene 3: The Ruins 7:28

14. Scene 4: Epilogue 10:37

Akhnaten – Paul Esswood

Paul Esswood

Neferetiti – Milagro Vargas

Queen Tye – Melinda Liebermann

Horemhab – Tero Hannula

Amon High Priest – Helmut Holzapfel

Aye – Cornelius Hauptmann

Scribe – David Warrilow

Dennis Russel Davies e Philip Glass

The Stuttgart State Opera Orchestra & Chorus

Dennis Russel Davies – Maestro

Texto copiado do blog - PQPBACH

Ouça sem parcimônia!

ROSTROPOVICH

Mstislav Leopoldovitch Rostropovich foi um violoncelista e maestro russo naturalizado americano e considerado um dos maiores violoncelistas do século XX e o sucessor de Pablo Casals nascido em Baku, no Azerbaijão, que então era parte da União Soviética, no dia 27 de Março de 1927.

Shostakovich e Prokofiev

Ainda pequeno, sua família mudou-se para Moscou. Estudou no Conservatório local e teve como professores Dmitri Shostakovitch e Serguei Prokofiev.

Britten

Foi responsável pela estreia de diversas obras para violoncelo dos principais compositores contemporâneos, dentre elas a Sinfonia Concertante em Mi Menor Opus 125 de Prokofiev, os dois Concertos para Violoncelo de Shostakovich, a Sinfonia para Violoncelo e Sonata para Violoncelo e Piano de Benjamin Britten.

O músico lutou pela liberdade de expressão e uma arte sem fronteiras, que trouxe alguns desentendimentos com o regime soviético.

Conservatório Estatal de Moscou

Em Fevereiro de 1948, seu mestre no Conservatório de Moscou, Shostakovich, foi acusado de formalismo, um estilo de crítica que se concentra nas técnicas artísticas e literárias fora do contexto social e histórico da obra, e destituído de suas funções, por um decreto do governo. Em protesto, Rostropovich deixou o conservatório.

Solzhenitsyn e Sakharov

No início dos anos 70, o violoncelista tímido sofreu problemas por ter falado publicamente em defesa de seu amigo, o escritor Alexander Solzhenitsyn, e do dissidente Andrei Sakharov quando ambos foram atacados pelas autoridades soviéticas.

Em virtude disso, Rostropovich e sua esposa, a soprano Galina Vishnevskaya, com quem casara em 1.955, encontraram dificuldades para apresentações no exterior.

o casal Rostropovich

Em 1974, o casal pediu ao governo para deixar a União Soviética. Finalmente eles se estabeleceram nos Estados Unidos e Paris. 

Gorbachov

Enquanto estava no exterior, em 1978, o Kremlin o destituiu de sua cidadania, devido a suas "atividades não patrióticas", segundo disseram os jornais oficiais, só retornando ao seu país em 1.990, quando a abertura promovida por Gorbachov restituiu sua cidadania.

Nos Estados Unidos, entre 1977 e 1994, foi o diretor musical e regente da National Symphony Orchestra de Washington, realizando concertos ao lado de alguns dos mais famosos músicos do mundo, como Marta Argerich, Sviatoslav Richter e Vladimir Horowitz.

Argerich, Richter, Horowitz

Em novembro de 1989, dias após a queda do Muro de Berlim, Rostropovich embarcou a Berlim para fazer um concerto de improviso, não anunciado, o maestro tocou uma das Suítes para Violoncelo de Johann Sebastian Bach, ao lado dos escombros do muro, como se fosse um humilde músico de rua. "Foi o que meu coração ditou," ele disse mais tarde.

Rostropovich no muro

De volta a seu país, Rostropovich tornou-se um dos líderes do movimento democrático nascente no país, que acabou levando à queda da União Soviética. 

Ele esteve entre as multidões que desafiaram o golpe de Estado lançado pelos defensores da linha dura que tentavam reverter as reformas da perestroika de Mikhail Gorbachev.

A partir de 2006 a sua saúde começa a se deteriorar rapidamente.

Putin

O então presidente da Federação Russa, Vladimir Putin, visitou-o para discutir detalhes da celebração dos seus 80 anos, em março do ano seguinte. Rostropovich compareceria ao evento, apesar de sua saúde muito debilitada.

Após sua internação num hospital em Paris no fim de janeiro de 2007, decidiu ir para Moscou, onde anteriormente havia sido tratado.

Em 6 de fevereiro do mesmo ano, foi internado em um hospital de Moscou. A natureza de sua doença não foi revelada.

Rostropovich, já enfraquecido, compareceu à comemoração, no Kremlin, onde foi festejado pelo presidente Vladimir Putin.

Ele se levantou, trêmulo, e fez um breve discurso em voz fraca. "Sou o homem mais feliz", disse. "Minha família e meus colegas estão aqui comigo neste dia."

Foi a primeira vez que Rostropovich apareceu em público desde fevereiro, quando foi internado num hospital de Moscou. Na época, seu secretário disse que sua doença não era algo que pusesse sua vida em risco.

Foi internado no Centro N. N. Blokhin de Pesquisas sobre o Câncer, em 07 de abril, para ser tratado de câncer intestinal, falecendo em 27 de abril.

Catedral Cristo Salvador

Seu corpo foi velado, no dia seguinte, no Conservatório de Moscou e foi posteriormente transladado para a Catedral da Igreja Ortodoxa Russa Cristo Salvador em Moscou.

Milhares de pessoas compareceram ao velório e ao funeral, incluindo o presidente da Rússia, Vladimir Putin, a rainha Sofia da Espanha, Bernadette Chirac, a primeira-dama da França, o presidente do Azerbaijão, Ilham Aliev, e Naina Yeltsina, a viúva de Yeltsin.

Yeltsin

Rostropovich foi sepultado em 29 de abril, no cemitério Novodevichy, o mesmo foi enterrado o corpo do amigo Boris Yeltsin, falecido quatro dias antes dele.

Pouco antes de sua morte, Rostropovich trabalhava na organização de um festival internacional de música, a ser realizado em sua terra natal, Baku. 

Olga

O projeto foi concretizado em dezembro do mesmo ano, por sua filha mais velha, Olga, criadora da Fundação Mstislav Rostropovich, que patrocina, juntamente com a Fundação Heydar Aliyev e o Ministério da Cultura e Turismo do Azerbaijão, o Festival Internacional de Música Mstislav Rostropovich, realizado todos os anos, em Baku.

O músico foi uma das figuras culturais mais amadas da Rússia. Além disso, ganhou fama em todo o mundo como defensor dos direitos civis durante a era soviética.

Lilian e Victor Hochhauser

Ele e sua mulher, a soprano Galina Vishnevskaya, dirigiam uma fundação humanitária.

"Ele foi o número 1, de todas as maneiras. Ele é o último dos grandes titãs russos a nos deixar. 

Rostropovich não apenas foi um músico extraordinário, como também um grande humanitário e fonte de inspiração para inúmeros compositores que compuseram obras belíssimas especialmente para ele. 

Foi destemido em sua tentativa de proteger Solzhenitsyn e Sakharov. Tinha um grande espírito. 

O homem foi nada mais, nada menos que um gênio." - disse à Reuters a empresária musical Lilian Hochhauser, que com seu marido Victor regularmente financia turnês britânicas de grandes companhias russas de ópera e balé.

Ouça o gênio

No link acima também está disponível a música referente ao trabalho sobre o Salmo 133.

THE DARK SIDE OF THE MOON

Lançado há quarenta e cinco anos, exatamente no dia 24 de Março de 1973, no Reino Unido, um disco histórico, The Dark Side Of The Moon, o oitavo disco do Pink Floyd, que correspondeu a uma pequena e importante mudança no som da banda, caracterizada pela diminuição na duração das canções com letras mais pessoais e instrumentais menores. O álbum, inicialmente, seria chamado de Eclipse.

Os integrantes originais: Syd. Nick, Roger e Rick

O grupo Pink Floyd foi fundado em 1965, pelos estudantes Syd Barrett (guitarrista e vocalista), Nick Mason (baterista), Roger Waters (baixista e vocalista) e Richard Wright (tecladista e vocalista), tornaram-se populares tocando no cenário alternativo londrino. Sob a liderança de Barrett, lançaram dois singles de sucesso e um bem-sucedido álbum de estreia, The Piper at the Gates of Dawn, de 1967. 

The Piper at the Gates of Dawn

David Gilmour foi integrado como o quinto membro em dezembro de 1967, enquanto Barrett saiu, em abril de 1968, por uma deterioração mental causada por psicotrópicos e drogas pesadas. 

Gilmour

A partir deste período, a banda se reinventou, Waters passou a ser o principal letrista e responsável pelos conceitos de álbuns como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) e The Wall (1979).

Entre 1972 e 1973, Pink Floyd não era um nome importante no mundo da música, não detinha grandes sucessos de vendagem.

Ainda abalado pela saída de Syd Barrett, que durante os primeiros anos foi o líder e principal compositor da banda, nesse período conturbado nasceu um disco amargo, que falava da vida nas suas mais míseras partes.

Meddle

O grupo se reunião, entre junho de 1972 a janeiro de 1973, no estúdio Abbey Road, em Londres, para gravarem o álbum. Syd Barrett foi o personagem que inspirou Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason e Richard Wright para a temática do disco, principalmente na referência à loucura.

O conceito básico do disco foi desenvolvido quando a banda estava ensaiando no Broadhurst Gardens Studios em Londres para a turnê do álbum Meddle.

A banda sairia numa turnê pelo Reino Unido, Estados Unidos e Japão. Não era o objetivo naquele momento criar material novo, entretanto as ideias foram aparecendo. Roger Waters propôs que o novo material fosse apresentado já naquela nova turnê, contando que sua principal ideia era criar canções que focassem em coisas que "cansam as pessoas", assim como na pressão que os integrantes sofriam por seu estilo de vida e os problemas envolvendo Syd Barrett, todos concordaram.

O grupo trabalhou junto na criação do material novo, Roger gravou as primeiras fitas demo em um pequeno estúdio próprio em sua casa em Londres. 

O ensaio do novo material foi em segredo num pequeno armazém que pertencia aos Rolling Stones, posteriormente migraram para o Rainbow Theater. 

Os músicos compraram novos equipamentos, incluindo amplificadores, uma mesa de mixagem e um conjunto inteiro de iluminação de palco.

álbum do Medicine Head

Então veio a ideia de realizar um concerto com suas novas canções, antes mesmo de gravá-las, ali mesmo e providenciaram mais de nove toneladas em equipamentos, e o novo projeto foi intitulado como The Dark Side of the Moon.

Entretanto a banda Medicine Head já tinha lançado um disco com aquele título, mudaram então para Eclipse, pouco tempo descobriram que o álbum havia sido um fracasso comercial e então voltaram ao nome inicial.

Gravação Pirata dos Shows

O concerto Dark Side of the Moon: A Piece for Assorted Lunatics foi realizado pela primeira vez no Rainbow em 17 de fevereiro de 1972 com uma plateia formada apenas por jornalistas e críticos, e recebeu avaliações muito boas de quase todos os presentes. 

As novas canções foram apresentadas quase que na mesma ordem em que foram lançadas no disco, mas o som apresentava algumas diferenças em relação ao que mais tarde foi lançado, principalmente devido à falta de sintetizadores e aos momentos em que liam alguns trechos da Bíblia no começo de algumas canções.

A banda seguiu fazendo pausas estratégicas na turnê para realizar as gravações em estúdio, realizando o último concerto novamente naquele teatro em 4 de novembro de 1973.

Alan Parsons ao centro

No estúdio a banda trabalhou ao lado do engenheiro de som Alan Parsons, com quem já haviam trabalhado no disco Atom Heart Mother e que já era famoso por ter trabalhado no Álbum Abbey Road dos Beatles. Para as sessões, foram usadas as técnicas mais avançadas disponíveis na época.

Interior do Estúdio Abbey Road onde o disco foi gravado

A capa do disco, que juntamente com a Abbey Road dos Beatles é das mais famosas imagens do rock. 

A arte de um disco muitas vezes pode até ser isenta de significado, no entanto, não é o caso desse álbum, nela cada detalhe foi milimetricamente calculado para que o resultado trouxesse inúmeros significados às ideias da banda para o álbum, um feixe de luz transpassando um prisma e se decompondo em um espectro de cores. 

Uma metáfora, não só para as dúvidas que a humanidade possui, mas para a própria humanidade. A astronomia diz que a lua tem um lado oculto que ninguém foi capaz de ver. 

O título relaciona esse “lado oculto da lua” como o lado que todo ser humano possui e tenta esconder, nosso lado repleto de falhas, mas o mais humano. De todos os detalhes envolvidos na capa, apenas um não possui base em estudos muito profundos.

A luz branca se divide em seis raios coloridos, ao invés das sete cores tradicionais do arco-íris. Teria isso algum significado em especial? “Não. Na verdade, o azul escuro não ficou esteticamente bonito junto das outras cores e então resolvemos tirá-lo fora, porque a arte deve estar acima da ciência“. 

Storm Thorgerson entre David Gilmour e Roger Waters

Além das inúmeras interpretações, uma mais simples é citada por Storm Thorgerson, o designer responsável pela arte:

“como aquele simples som – representado pelo feixe – poderia significar uma complexidade de coisas que a banda queria tratar.”

As faixas se apresentam na seguinte ordem, no vinil quase não se percebe a mudança das faixas:

Speak to me, foi composta por Mason, – com uma introdução com sons de máquinas de escrever, risadas e barulhos aleatórios introduzem o ouvinte no clima de loucura do disco.

Breathe, de autoria coletiva da banda, elimina toda aquela balbúrdia e tudo muda para a melancolia da faixa, um poema sobre a miséria humana, cantado por David Gilmour.

On the Run retoma o som alucinado, representando a loucura causada pelas drogas, em forma de efeitos eletrônicos, o instrumental foi composto por Gilmour e Waters.

Time, outra composição coletiva, é um dos maiores destaques do Pink Floyd, o clima tenso de sua introdução acumula até certo ponto e desaba em letra e melodia bem fortes, cantadas por Gilmour e Wright. A poesia da letra retrata o envelhecimento em versos como And you run and run/ To catch up with the sun/ But it’s sinking (E você corre e corre/ Pra alcançar o sol/ Mas ele está se pondo) e o medo da morte nos versos But you are older/ And shorter of breath/ And one day closer to death (Mas você está mais velho/ E com menos fôlego/ E a cada dia mais próximo da morte).

Clare Torry

The Great Gig In The Sky, de Rick Wright, é uma metáfora para o desespero que tudo o foi apresentado até aqui no disco, a voz de Clare Torry demonstra momentos de desespero e de relaxamento.

Money, composição de Roger Waters, tem um clima animado pra falar do dinheiro e de todo seu poder, retratados na voz de David Gilmour, com a participação do saxofonista, Dick Parry.

Dick Parry.

Us And Them traz a solidão num brilhante arranjo, uma das melhores canções que a banda já fez, de autoria de Waters e Wright e interpretadas por Wright e Gilmour.

Any Colour You Like, parceria de Gilmour, Mason e Wright, é outra faixa instrumental que representa os estados alterados da mente através da guitarra psicodélica de David Gilmour.

Brain Damage, de Roger Waters e também vocalista, se caracteriza pelo tom apropriado pra falar de Syd Barret, as drogas e a loucura são o tema central aqui. Roger Waters parece escrever diretamente para seu amigo: “I will see you on the dark side of the moon”.

Eclipse é escrita com a métrica de uma poesia. Trata de um resumo das ideias colocadas no disco, simplifica o ser humano com atos e metáforas em um arranjo que parece de fim de espetáculo, também escrita e cantada pro Waters.

O álbum começa e termina com o mesmo som, o pulsar de um coração.

Aconselha-se a ouvir o álbum na sequencia e viajar na loucura apresentada.

Em quase todas as faixas podem ser ouvidas conversas e frases ao fundo, são vozes de pessoas selecionadas pela equipe de gravação, feitas em forma descontraída. Algumas vozes incluem risadas um tanto assustadoras, além de frases aleatórias.

Speak To Me

I’ve been mad for fucking years, absolutely years, been over the edge of yonks, been working me buns off for bands… (Eu tenho estado louco por malditos anos, um longo tempo, tenho estado no limite, tenho trabalhado muito por bandas…)

I’ve always been mad, I know I’ve been mad, like the most of us… very hard to explain why you’re mad, even if you are not mad… (Eu sei que fui louco, eu sempre fui louco, como a maioria de nós… muito difícil de explicar porque você está com raiva, mesmo se você não é louco…)

On The Run

Live for today, gone tomorrow, that’s me! (Vive pra hoje, se vai amanhã, esse sou eu!)

Great Gig In The Sky 

I never said I was frightened of dying. (Eu nunca disse que estava com medo de morrer.)

Us And Them

I haven’t had a good thump in years, absolutely years. (Eu não tive um bom baque em anos, absolutamente em anos.)

I don’t know! I was really drunk at the time. (Eu não sei! Eu estava muito bêbado na hora.)

Brain Damage

I can’t think of anything to say except… ahahahahahaha! I think it’s marvellous! (Eu não consigo pensar em nada, exceto… ahahahahahaha! Eu acho maravilhoso!)

Eclipse

There is no dark side of the moon, really… as a matter of fact it’s all dark.

(Não há lado escuro da lua, na verdade… ela é toda escura.) – última frase do disco quase inaudível.

The Dark Side of The Moon vendeu mais de quinze milhões de cópias, considerado o terceiro álbum mais vendido do mundo.

Há uma lenda que o disco teria um sincronismo com o filme o Mágico de Oz. Tocando o disco após o terceiro rugido do leão da MGM, a sincronia entre filme e álbum será incrivelmente quase perfeita. A sincronia vai desde as melodias – que se encaixam muito bem nas cenas, parecendo trilha sonora – até frases que combinam com o que está acontecendo no filme. Eis alguns trechos. Num especial para a MTV em 2002, os membros da banda afirmam que não poderiam planejar isto, mesmo por que não era possível reproduzir o filme no estúdio. 

Embarquem nessa viagem