O Cavaleiro

Caríssimos leitores, amigos e irmãos...

Por sugestão do Ir.´. André Garcia Martin

E dedicado ao Ir.´. Pierre Godfroid Joseph Ciriades, que passa por um momento de saúde bastante delicado e com a fé no G.´. A.´. D.´. U.´. e frente ao seu merecimento logo estará em melhores momentos.

Nascido em Hasselt, capital da província de Limburgo - região de Flandres na Bélgica, ambiente da II Grande Guerra Mundial durante a ocupação nazista em 28/03/1942 filho de Peter Florent Joseph Ciriades (britânico) e Elisabeth Helena Savelkoul Ciriades (belga).

Desembarcou no Brasil, em Santos, como imigrante agricultor em 24 de maio de 1951. Frequentou escolas estaduais em São Vicente, Santos e São Paulo, fez medicina na Unicamp e formou-se em 1971.

Foi iniciado na A.´.R.´.L.´.S.´. Cavaleiros do Sangreal nº 315, em 11/05/2001 pelo Ven.´. M.´. Ariovaldo Defendi, trazido até esta Oficina por seu padrinho Pedro Alves de Toledo Neto, foi elevado ao grau de Comp.´. em 10/09/2003 pelo Ven.´. M.´. Bernardino Gonçalves da Costa Neto, exaltado ao grau de M.´. em 30/03/2005 pelo Ven.´. M.´. José Carlos Tadeu Vieira.

Este último no primeiro dia de seu Veneralato trouxe a público o primeiro exemplar de O CAVALEIRO trabalho mensal elaborado pelo querido Ir.´. Pierre, com a colaboração de diversos OObr.´..

A partir do segundo número tivemos acesso a sua biografia que brilhantemente nos brindava a cada número. O Cavaleiro teve 22 edições e circulou de 30/06/2004 até 09/08/2006.

Foi membro da Academia Paulistana Maçônica de Letras empossado 28 de Agosto de 2005 na cadeira nº 9 - Patrono Paulo Alfeu Junqueira Monteiro Duarte.
Publicou o Manual de Patologia Clínica com 1.074 páginas pela Editora Atheneu em Outubro de 2008.

TRABALHOS PUBLICADOS EM LIVROS MAÇÔNICOS:
EMBAIXADOR PEDRO DE TOLEDO in Antologia II – São Paulo 1554 – 2004. GLESP e APML – Academia Paulistana Maçônica de Letras, 407 – 414: Ottoni Editora – Itu, janeiro 2004

PAULO ALFEU JUNQUEIRA MONTEIRO DUARTE (1899 – 1984) in Antologia III ... buscando soluções para o Brasil. APML – Academia Paulistana Maçônica de Letras, 295 – 313: Ottoni Editora – Itu, agosto 2005

ALBERTO SANTOS-DUMONT: SAÚDE E ÓBITO in Antologia – Centenário da Aviação 14-Bis 1906 - 2006. GLESP e APML – Academia Paulistana Maçônica de Letras, 151 – 163: Ottoni Editora – Itu, 2006

A SENTENÇA DE TIRADENTES in BRASIL - Um Olhar Sobre a Maçonaria. GLESP – Grande Loja do Estado de São Paulo, 51 – 60: Ottoni Editora – Itu, 2007

DUQUE DE CAXIAS / LUÍS ALVES DE LIMA E SILVA in BRASIL - Um Olhar Sobre a Maçonaria. GLESP – Grande Loja do Estado de São Paulo, 103 – 112: Ottoni Editora – Itu, 2007

UMA HISTÓRIA À PARTE: Júlio Frank & a Bucha in BRASIL - Um Olhar Sobre a Maçonaria. GLESP – Grande Loja do Estado de São Paulo, 141 – 155: Ottoni Editora – Itu, 2007

RESENHA BIOGRÁFICA DOS MAÇONS BRASILEIROS in BRASIL - Um Olhar Sobre a Maçonaria. GLESP – Grande Loja do Estado de São Paulo, 205 – 284: Ottoni Editora – Itu, 2007

(fonte:http://academiapml.blogspot.com.br)

Queridos IIr.´. e leitores, é com muita tristeza que informo, ontem 22/12/2013 às 23:30hs, nosso Ir.´. Pierre partiu em viagem para o Oriente Eterno onde participará da sua Grande Iniciação. Que o G.´. A.´. D.´. U.´. o receba de braços abertos. 

Abaixo o link para todos os números publicados de O Cavaleiro.

https://drive.google.com/drive/folders/0B9F356bpnhA-Q1ZiVE9CRW85WVk?resourcekey=0-qd-hgzqhn1shiLHMMAFBPg&usp=sharing

Solstício de Verão

Solstício de Verão é um fenômeno da astronomia que marca o início do Verão. É o instante em que o hemisfério Sul está inclinado cerca de 23º na direção do Sol.

O termo solstício tem a sua origem no latim solstitius que significa "ponto onde a trajetória do sol aparenta não se deslocar". Consiste em sol + sistere que significa "parado".

No solstício de Verão ocorre o dia mais longo do ano e consequentemente a noite mais curta do ano, em termos de iluminação por parte do Sol. O solstício de Verão pode acontecer no dia 21 ou 22 de Dezembro, dias em que a radiação solar incide de forma vertical sobre o Trópico de Capricórnio.

O solstício acontece graças aos fenômenos de rotação e translação do planeta Terra, pois graças a eles a luz solar é distribuída de forma desigual entre os dois hemisférios.

O solstício de Inverno significa que a luz do sol não incide com tanto fulgor no hemisfério em questão. São fenômenos opostos dependendo do hemisfério em que um determinado país se encontra. Por esse motivo, quando é Verão no Brasil (hemisfério sul), é Inverno nos Estados Unidos (hemisfério norte).

Como o que nos interessa aqui é a música e não a astronomia...

Antonio Vivaldi escreveu uma série de doze concertos, publicados em Amsterdã no ano de 1725 como Opus 8 e sob o título de  Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione, ou em português, A Disputa da Harmonia e da Invenção.

Com este título, Vivaldi queria apresentar obras inovadoras e experimentais em diversos aspectos, contrapondo a sua criatividade (a “invenção”) com o tradicionalismo da escrita musical (a “harmonia”).

Concerto nº 1 em Mi maior – A primavera

Concerto nº 2 em Sol menor – O verão

Concerto nº 3 em Fá maior – O outono

Concerto nº 4 em Fá menor – O inverno

Concerto nº 5 em Mi bemol maior – A tempestade do mar

Concerto nº 6 em Dó maior – O prazer

Concerto nº 7 em Ré menor

Concerto nº 8 em Sol menor

Concerto nº 9 em Ré menor

Concerto nº 10 em Si bemol maior – A caça

Concerto nº 11 em Ré maior

Concerto nº 12 em Dó maior

À primeira vista, a inovação que mais salta aos olhos é o caráter programático não só dos quatro primeiros concertos conhecidos como as quatro estações, mas também de mais três outros: o nº5 RV.253 La Tempesta di Mare (A tempestade do mar), o nº6 RV. 180 Il Piacere (O prazer) e o nº10 RV.362 La caccia (A caça). Estes, porém, não trazem nenhuma outra indicação na partitura explicitando seu conteúdo, muito menos sonetos anexados.

A primeira edição do Opus 8 traz uma dedicatória ao Conde Wenzel von Morzin, a quem Vivaldi endereçou uma carta provavelmente com uma cópia da publicação. Nesta carta, as seguintes linhas são bem reveladoras:

Não se surpreenda se, entre estes poucos e fracos concertos, Vossa Excelência encontre As Quatro Estações, as quais têm por tanto tempo desfrutado da amável generosidade de Vossa Excelência. Mas acredite, eu considerei imprimi-las porque, apesar de serem as mesmas, eu acrescentei a elas, além dos sonetos, uma indicação muito clara de todas as coisas que nelas se explicam, assim eu estou certo de que elas parecerão novas para você.

Ou seja, (1) os concertos já eram conhecidos antes de sua publicação, e (2) as indicações da partitura foram adicionadas posteriormente.

O Verão

Sob a dura estação de sol aceso

Definha homem, definha rebanho e arde o pinho;

Solta o cuco a voz, e logo com ele

Canta a rolinha e o pintassilgo.

Zéfiro doce expira mas, desafiado,

Surge Bóreas (*) de repente ao seu lado;

E chora o pastor, porque decerto

Teme feroz tempestade e seu destino

Rouba dos membros cansados o seu repouso,

O temor dos relâmpagos e trovões ferozes

E de moscas e moscões o zumzum furioso.

Ah, que pena, seus temores eram verdadeiros!

Troveja e fulmina o céu e majestoso

Quebra o topo das espigas e danifica os grãos.

 (*) Já falamos de Zéfiro no post da Primavera. Bóreas é seu irmão, o vento do norte, frio e violento.

Concerto para violino, cordas e contínuo Op.8 nº2 RV.315 em Sol menor – “Verão”

De acordo com o soneto podemos ouvir os sons que representam:

No primeiro movimento temos a languidez devida ao calor do verão, os sons dos pássaros, principalmente do cuco. O sussurrar do zéfiro e estrondoso Bórea. A tristeza da melodia representando o pranto do camponês temendo o temporal que se aproxima.

No segundo movimento temos os sons dos mosquitos que atrapalham o descanso do camponês, seguem-se os trovões que anunciam o temporal.

No terceiro e último movimento o Temporal de verão.

Encontrei o vídeo a seguir no Youtube, vale a pena assistir:
http://www.youtube.com/watch?v=Sd95r8vPig8

Uma pequena reflexão:

O Sol é vida, sem ele não poderíamos existir.

A luz do sol não distingue quem a recebe... 

Tanto faz raça, credo, status.

A luz do sol esta à disposição de todos os seres.

O sol é o símbolo maior da caridade e da fraternidade.

Sejamos todos como o sol do meio dia, que ilumina, clareia, fortalece,

E não faz sombra a ninguém.

Comece por fazer o necessário, depois o possível, e de repente você fará o impossível."

São Francisco de Assis. 

Como hábito, no link abaixo, consta integralmente o Concerto para violino, cordas e contínuo Op.8 nº2 RV.315 em Sol menor – “Verão” e outras peças de Vivaldi, dentre elas alguns movimentos dos outros oito concertos de  Il Cimento dell’Armonia e dell’Invenzione, excetuando os três concertos que representam as demais estações.

https://drive.google.com/drive/folders/0B9F356bpnhA-UDFqZllSdWsxWlU?resourcekey=0-coY0OnKWWES4c7-gOG7noQ&usp=sharing

RAVI SHANKAR

Robindro Shaunkor Chowdhury, conhecido como Pandit Ravi Shankar ou simplesmente Ravi Shankar, nascido em Varanasi, Utar Pradesh na Índia no dia 07 de Abril de 1920. Maestro, compositor e músico, o mais novo dos sete filhos de uma família brâmane bengali. Seu pai V. Lakshminarayana era professor de violino, sendo o responsável pela introdução do instrumento na cultura indiana, o que contribuiu para a sua iniciação e aprendizado musical a partir dos cinco anos de idade, como violinista.

Aos quinze anos, viajou para Paris com a companhia de dança de seu irmão Uday. Na trupe estava também o músico e multi-instrumentista Baba Allauddin Khan que foi o instrutor de Sitar, instrumento tradicional indiano, ao jovem Ravi.

Allauddin Khan

Em 1941, casou-se com a filha de seu mestre, Annapurna Devi, o matrimônio durou até 1982 quando se divorciaram, em março de 1942 nasce seu filho Shubhendra Shankar, artista gráfico, músico e compositor, morto em 1992, aos 50 anos.

Tornou-se bastante conhecido no Ocidente graças a amizade com George Harrison que foi seu aluno no tradicional instrumento em 1966. Os Beatles chamavam-no de Padrinho da Música Mundial. Teve grande influência na fase psicodélica dos Beatles, e após o fim da banda, gravou um disco produzido por George Harrison, o “Chants of India”.

com George Harrison                                                                            com Yehudi Menuhin

Em 1967, realizou seu primeiro dueto com o violinista Yehudi Menuhin, com o qual posteriormente colaborou em várias ocasiões.

Participou do Festival de Woodstock junto com grandes nomes da música como Janis Joplin e Jefferson Airplane.

Em 1969, viajou aos EUA com a intenção de aprofundar-se na música do Ocidente e, ao mesmo tempo, popularizar a música hindu. Dois anos mais tarde, a pedido da London Symphony, compôs um concerto que estreou no Royal Festival Hall, na capital inglesa.

Shankar lecionou nas universidades de Nova York e Los Angeles, dirigiu a partir de 1970, o Departamento de Música indiana no California Institute of the Arts.

A atividade musical de Ravi Shankar foi intensa, tendo destaque também como compositor. É autor de dois concertos para Sitar e orquestra, além de músicas para balés e trilhas sonoras de filmes diversos, dentre eles "Gandhi".

Protagonizou o filme RAGA que narrava a sua vida. Em 1978 publicou sua autobiografia My life, my music.

Em 1986 foi nomeado pelo primeiro-ministro Rajiv Gandhi para a casa superior do Parlamento indiano, onde atuou até 1992.

Norah Jones e Anoushka Shankar
recebem o Grammy 

Após o divórcio manteve relações com Kamala Chakravarty e Sue Jones, mãe da cantora de jazz Norah Jones. Desde um relacionamento com Sukanya Shankar nasce a proeminente sitarista Anoushka Shankar em 1981. Por fim, Shankar se casou em 1989 com Sukanya Rajan, com quem viveu desde então entre San Diego e Nova Délhi.

Ravi Shankar faleceu em 11 de dezembro de 2012 em San Diego aos 92 anos. Ele estava doente desde o ano anterior por conta de problemas respiratórios e cardíacos, uma condição que o levou a submeter-se no dia 6 de dezembro a uma intervenção cirúrgica para substituir uma válvula cardíaca, não resistindo no período de recuperação.

Além das duas filhas e esposa, deixou três netos e quatro bisnetos.

O Álbum “The Living Room Sessions Part 1" foi premiado com o Grammy Awards de 2013 na categoria "Melhor Álbum de Música do Mundo".

Além do habitual link com as músicas, 

https://drive.google.com/drive/folders/0B9F356bpnhA-RVZDZlFjSnFhZjg?resourcekey=0-K1sD-EpvsJRv_oP1_tYSvw&usp=sharing

deixo também o link para um interessante site sobre música indiana que explica algumas peculiaridades sobre sitar. http://www.musicaindianabrasil.com/2011/12/sitar-tudo-que-voce-sempre-quis-saber.html

ROBERT FRIPP

Robert Fripp, nascido em Wimborne Minster, Dorset, na Inglaterra no dia 16 de Maio de 1946, começou a tocar violão aos 11 anos, passando para a guitarra três anos mais tarde.

Em 1967, participou do Giles, Giles & Fripp com os irmãos Peter e Michael Giles, sem muito sucesso. Com Michael começou a discutira a formação de uma nova banda, pouco antes da dissolução do grupo.

Os primeiros músicos que se juntaram a eles foram o vocalista e guitarrista Greg Lake, que tocaria contrabaixo, o letrista e poeta Peter Sinfield e o compositor Ian McDonald. Assim formaram o King Crimson. 

Em 1969 lançam o álbum de estréia In the Court of The Crimson King. Com moderado sucesso, apesar da inovação a qual o álbum trazia para o rock da época, a banda lança, logo depois, o disco In the Wake of Poseidon, já sem Ian Macdonald, que havia deixado a banda após o primeiro disco, o King Crimson partiria para uma imensa troca de integrantes, permanecendo Robert Fripp como o único remanescente entre todas as formações, apesar do mesmo não se considerar o líder da banda.

Gilles, Gilles & Fripp                         In the Court of the Crimsom King                   In the wake of Poseidon

Sem prender-se a qualquer estilo musical, não cultivou qualquer ídolo, causando polêmica ao declarar a Revista Guitar Player de 1974, que, em sua opinião, Jimi Hendrix nunca foi um guitarrista, apenas um músico que tinha algo a dizer e que conseguiu, assim como Eric Clapton foi um guitarrista banal que se perdeu com o tempo, isto em resposta a rumores que seriam eles suas influências musicais. 

A revista Rolling Stone o colocou na 62ª posição entre os cem melhores guitarristas de todos os tempos.

Além do King Crimson, Fripp trabalhou com artistas de diversos estilos como Brian Eno, Peter Gabriel, David Bowie, David Sylvian, Andy Summers, Blondie, Talking Heads e G3.

Robert desenvolveu um estilo único sem se prender ao mainstream, o que lhe gerou alguma antipatia com parte do público, apesar de gozar de extrema reputação no meio especializado.

Fripp desenvolveu um aparelho denominado Frippertronic que dá a guitarra à capacidade de gerar sons de sintetizadores.

Fripp destaca-se também por suas frases, algumas delas:

“Não esteja disposto a ajudar: esteja disponível.”

 “O silêncio é um elo entre mundos. A música é a taça que segura o vinho do silêncio. O som é essa taça, porém, vazia. O ruído é essa taça, porém, quebrada.”

“A música é a arquitetura do silêncio.”

“Duração é algo subjetivo.”

“Uma mentira separa quem somos do que somos.”

 “Existem três modos de descobrir seus erros: pergunte a um amigo; pergunte a um inimigo; reconheça um erro nos outros.”

“Devemos acolher nossos erros como amigos e professores.”

“Tentar é falhar.”

 “Quanto mais falhas, mais sucesso.”

“A disciplina é o veículo do prazer.”

 “Quando agimos do modo como preferimos, podemos conquistar o que queremos, mas não o que precisamos.”

“Nunca enriqueceremos com o trabalho pesado. Porém, jamais enriqueceremos sem ele.”

“Sofrimento pode ser necessário, desnecessário ou voluntário.”

 “A mente comanda as mãos.”

 “O artista é o elo entre o possível, o impossível e o contemporâneo.”

“O espaço tem suas próprias regras e determina condições.”

“Acréscimos pequenos são revolucionários.”

“O músico possui três disciplinas: as disciplinas das mãos, da cabeça e do coração.”

“Até mesmo o gênio necessita de uma técnica competente.”

“Começamos por não fazer nada. Em seguida, nos mexemos para fazer alguma coisa.”

“O poder é a capacidade de acessar o que é possível.”

“Nós podemos compreender nosso conhecimento, mas não podemos conhecer a nossa compressão.”

“O futuro é o que o presente pode oferecer.”

“O que ouvimos é o modo como ouvimos.”

“O silêncio é um eco distante da aproximação da Musa.”

Espero que tenham gostado, abaixo segue o tradicional link...

https://drive.google.com/drive/folders/0B9F356bpnhA-UDZpdF83N0syMTg?resourcekey=0-WagD3hUkpjDq12WYh3vnhQ&usp=sharing

Domenico Scarlatti

Nascido em Nápoles em 26 de Outubro de 1685, foi um compositor do período Barroco radicado na Corte Portuguesa de Dom João V. Passou a maior parte de sua vida em Portugal e Espanha. Teve grande influência no desenvolvimento do Período Clássico da Música, embora tenha vivido a maior parte de sua vida dentro do período Barroco.

Filho de Alessandro Scarlatti, provavelmente o seu primeiro professor. Também foram seus professores: Gaetano Greco, Francesco Gasparini e Bernardo Pasquini, que influenciou o seu estilo musical.

Contemporâneo de outros dois grandes mestres do Barroco: Bach e Handel.

Handel                      JS Bach

Dom João V

Há uma história de que numa competição com Georg Friedrich Handel, no palácio do Cardeal Ottoboni, em Roma, ele talvez tenha sido julgado superior a Handel no cravo, embora inferior com relação ao órgão. Mais tarde Scarlatti ficou conhecido pela veneração com que ser referia às habilidades de Handel.

Em 1720, ou 1721, Scarlatti foi a Lisboa onde ensinou música para a princesa portuguesa Maria Magdalena Bárbara (Maria Bárbara de Bragança). Esteve novamente em Nápoles no ano de 1725. Durante uma visita a Roma em 1728, casou-se com Maria Caterina Gentili. Em 1729 mudou-se para Sevilha onde permaneceu por quatro anos. Ali veio a conhecer o flamenco.

D. Maria Bárbara de Bragança

 Em 1733 foi a Madri para assumir o cargo de músico máster da princesa Maria Bárbara, que se casara com o Príncipe Herdeiro de Espanha. Durante o período que permaneceu na Espanha, compôs mais de quinhentas sonatas para teclado e é por esses trabalhos que ele hoje é lembrado.

Domenico Scarlatti faleceu em Madri, aos 71 anos de idade, no dia 23 de Julho de 1757, sua casa na Calle Leganitos é identificada com uma placa histórica e seus descendentes ainda vivem naquela cidade.

Apenas uma fração de suas obras foi publicada em vida. Parece que o próprio Scarlatti supervisionou a publicação, em 1738, de sua coleção mais famosa, um livro de 30 Essercizi (Exercícios) que foram aclamados em toda a Europa com o apoio irrestrito do mais proeminente escritor sobre música do século XVIII, o Dr. Charles Burney.

As muitas sonatas não publicadas durante a vida de Scarlatti foram impressas de forma irregular ao longo dos dois séculos e meio seguintes. Apesar disso, Scarlatti atraiu a atenção de admiradores notáveis inclusive Chopin, Brahms, Bartok, Schenker e Horowitz. Particularmente a escola russa de piano tem sido apoiadora e divulgadora das sonatas.

Os irmãos Assad (Sergio e Odair) virtuoses do violão clássico, arranjaram e gravaram ao violão diversas sonatas de Scarlatti para teclado.

Seu nome consta em diversas relações de maçons ilustres, porém não consegui informações mais precisas.

Acesse o link abaixo para ouvir algumas peças do autor:

https://drive.google.com/drive/folders/0B9F356bpnhA-OVE4MTFhYmJKY2s?resourcekey=0-gGZFiAy1GmewjIUfUW9saw&usp=sharing

Quantz

Esta postagem é especialmente para os apreciadores de flauta...

Johann Joachim Quantz nasceu em 30 de janeiro de 1697, em Oberscheden (próximo a Gottingen, Alemanha). Filho de um modesto ferreiro, seu destino provavelmente seria seguir a profissão do pai. Entretanto, iniciou-se muito cedo na música, e com a morte de seu pai quando tinha apenas dez anos, passou a estudar violino com o seu tio Julios Quantz, músico da cidade de Mersebourg. Estudou sucessivamente oboé e trompete.

Durante este período também conheceu os trabalhos dos principais compositores barrocos.

Pisendel

Em 1716, aos dezenove anos, tornou-se membro da orquestra de Dresden, a mais famosa da Europa na época. Alargando os seus horizontes musicais, estudou contraponto em Viena e composição (1727) com Johann Georg Pisendel. Em 1718, instalou-se novamente em Dresden, onde foi designado oboísta, pela orquestra do rei da Polônia, Augusto II, de 1718 a 1723.

Dresden era um centro cosmopolita para as artes e ciências, e possuía uma das maiores casas de óperas e capelas musicais da Europa. Naquele tempo, a corte de Dresden teve em seu meio alguns grandes nomes, como Silvius Leopold Weiss, o flautista Buffardin e os violinistas Veracini e Pisendel. Temendo que o oboé lhe trouxesse muitas limitações, Quantz preferiu estudar flauta, tendo aulas (1719) com o melhor flautista de sua época, Pierre Gabriel Buffardin.

Weiss                      Buffardin                 Veracini

Seu interesse pela composição começou a crescer, especialmente para os trabalhos com flauta, e em 1720 escreveu suas primeiras composições. De 1724 a 1727, teve muitas oportunidades de tocar para as realezas da Europa, nas grandes cidades como Varsóvia, Praga, Roma, Nápoles, Milão, Turim, Lion, Paris, Londres. Conheceu os maiores músicos de seu tempo, como Vivaldi, Scarlatti, Tartini (1723, Praga), Gasparini, Farinelli (1725), Händel (1726).

Após esta grande excursão, foi oferecido a Quantz um posto de flautista solo na orquestra da capela real de Dresden. Em 1727, tornou-se, segundo os seus biógrafos, o maior flautista da Europa.

Em 1728, durante uma visita a Berlim, Quantz tocou para o príncipe da Prússia. Frederico, 16 anos mais velho, ficou tão encantado com o músico que resolveu ter aulas de flauta com o ele, apesar das objeções de seu pai, o rei Frederico Guilherme I que considerava a música como um passatempo “para mulheres”. Durante os próximos treze anos, Quantz iria duas vezes por ano dar aulas ao futuro rei.

Frederico II

Quando Frederico subiu ao trono em 1741, tornando-se Frederico II, Quantz foi convidado a morar na residência real de Potsdam, onde o novo monarca vivia rodeado por músicos como Benda, Graun, e Carl Philipp Emmanuel Bach. Quantz tornou-se o compositor da corte, diretor da orquestra, professor do rei e fabricante de flautas. Em 1747, conheceu J.S.Bach, em Potsdam, e em 1750, conheceu Voltaire.

Frederico II, o Grande, foi um gênio político e militar. Trouxe muitas reformas nos campos da lei, da educação e da economia. Suas preocupações intelectuais e de sua corte foram fortemente influenciados pela França. Quantz serviu ao rei Frederico II até o dia de sua morte, em 12 de julho de 1773, em Potsdam (Alemanha)

Quantz viveu um período importante da história musical. Pertenceu à chamada “Escola de Berlim”, vivendo num período de transição entre o barroco e o classicismo. Também foi responsável por muitas inovações no desígnio da flauta, inclusive a adição de chaves para melhorar a entonação e a invenção de um novo afinador.

A produção de Quantz é extraordinária. Compôs músicas de câmara para flauta, violino e baixo contínuo, 204 sonatas para flauta, 12 duetos, etc.

Quantz escreveu cerca de 300 concertos para flauta. O Concerto para flauta em sol maior, é o seu mais conhecido concerto para flauta. É um trabalho modelar, de uma vivacidade invulgar, tanto na parte solista como na parte orquestral e muito bem estruturado no seu todo, revelando o porque, ter sido Quantz, o escolhido mestre de Frederico II. Digno de nota a extraordinária pulsação rítmica deste concerto.

Quantz não foi somente um músico excelente, mas também um grande observador das cenas musicais de seu tempo. Em 1752, publicou o seu famoso tratado , que não só oferece interesse considerável pela prática da flauta, mas também para muitos outros instrumentos.

Para audição e download:

https://drive.google.com/drive/folders/0B9F356bpnhA-RHIyZGVGcXdHbDQ?resourcekey=0-Cp4wW1pOqTJc9K_NtMsFfA&usp=sharing

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach nascido em 21 de Março de 1685 (segundo o calendário juliano, então em uso, correspondendo ao dia 31 de Março do atual calendário gregoriano) na cidade de Eisenach na Turíngia – atual Alemanha é considerado o maior compositor da história da música em todos os tempos. Descendente de uma tradicional família de músicos e cantores.

Johann Ambrosius Bach

Com o pai Johann Ambrosius Bach aprendeu os rudimentos da música. Entre os nove e dez anos viu a morte levar a mãe e o pai. Passando a morar com seu irmão Johann Cristoph Bach que era 16 anos mais velho do que ele e não lhe dava incentivo para que continuasse a estudar música, impedindo o acesso às partituras, entretanto à noite no escuro sob a luz da lua estudava tais partituras e fazia transcrições às escondidas.

Aos 18 anos era organista em Arnstadt. Com 22 anos casou-se com sua prima Maria Bárbara Bach, matrimônio que durou 13 anos e gerou sete filhos. Maria Bárbara faleceu em 1720.

Em 1708 foi nomeado organista da Corte e seis anos depois diretor de orquestra na Corte do Duque Wilhelm Ernst em Weimar.

Entre 1717 e 1723, foi mestre de capela (Kapellmeister) na corte de príncipe Leopold de Anhalt-Köthen.

Em 1721 voltou a casar, desta vez com a cantora Anna Magdalena Wülcken, ele tinha 36 anos e ela tinha 20 anos era filha do trompetista da cidade, uma excepcional companheira, de grande valor para o compositor.

Maria             Anna

Anna-Madalena é a autora de um dos mais sinceros testemunhos de admiração por alguém, a "Crônica de Anna-Madalena", um livro de memórias que é do início ao fim, um elogio à pessoa e ao gênio de Johann Sebastian Bach.

Este matrimônio gerou mais treze filhos. Dez dos filhos que teve em ambos os matrimônios morreram ainda na infância.

A partir de 1723 e até a sua morte Bach foi Diretor de Música (Kantor) na igreja de São Tomás em Leipzig.

Quatro de seus filhos foram compositores respeitados. Destacando-se Wilhelm Friedmann Bach (1710-1784) que segundo o pai era o mais talentoso do seus filhos, Carl Phillipp Emanuel Bach (1714-1788), de quem Mozart tinha uma opinião excelente, e que viria ser o Bach mais famoso de sua época, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) e Johann Christian Bach (1735-1782), que ficou famoso na Inglaterra.

        Wilhelm                     Carl             Johann Cristoph    Johann Christian 

Ao final de 1749, Bach foi operado da visão por um cirurgião inglês ambulante, e os resultados catastróficos desta operação levaram-no a cegueira completa. Morreu no dia 28 de julho de 1750. Foi enterrado num sepulcro sem marca na igreja de St. Thomas.

Sua vida passou-se em ambientes modestos, e sem maiores contatos com o mundo exterior. Quase nada se sabe de sua personalidade: devoção luterana que combina com apreço aos prazeres deste mundo; bom pai de família; funcionário pontual, mas homem irascível, sempre brigando com seus superiores; homem culto, mas inteiramente dedicado à sua enorme produção de obras, que só foram escritas para uso funcional ou para exercícios de música em casa.

Teve seu ápice no gênero da fuga com a obra O Cravo Bem Temperado, consiste de 24 peças em cada uma das tonalidades maiores e menores. Outro trabalho importante é A Arte da Fuga, que ficou incompleto com a sua morte, composto com a intenção de que fosse um conjunto de exemplos das técnicas de contraponto.

Outras obras interessantes sãos os Concertos de Brandenburgo, as Variações Goldberg, as Suítes para orquestra e para violoncelo, os concertos para violino e a Missa em Si Menor, além das músicas sacras compostas para a Igreja Luterana, tais como as cantatas e as paixões para as cerimônias de Sexta Feira Santa.

Bach nunca teve à sua disposição uma grande orquestra. Mas, de acordo com suas possibilidades, escreveu verdadeiras obras-primas orquestrais.

Johann Sebastian escrevia no final das suas partituras as 3 letras SDG (Solo Deo Gloria). E no início: JJ (Jesu Juva).

Haendel

Telemann

Durante a sua vida Bach tornou-se mais conhecido como organista, consultor e construtor de órgãos, como compositor achavam-no antiquado e sem criatividade, Haendel e Telemann eram mais apreciados. Na época que se seguiu a sua morte, Bach caiu no esquecimento.

Este esquecimento teria como grande culpado o filho que Bach tinha mais confiança, Wilhelm Friedemann, pois possuía uma personalidade evasiva, nunca se fixando nos empregos, e muitas vezes em dificuldades financeiras. Essas dificuldades levaram-no, muitas vezes, a vender várias partituras de seu pai. Nesse processo perderam-se para sempre várias paixões compostas por Johann Sebastian (quem sabe agora fossem elas tão apreciadas como as Paixões segundo São Mateus e São João). Se não tivesse sido o cuidado que teve Carl Philipp Emanuel Bach em conservar os manuscritos de seu pai, o mundo poderia ter sido privado de uma boa parte das obras primas de Bach.

Mendelssohn

Em 11 de Março de 1829, Felix Mendelssohn descobre a Paixão segundo São Mateus, e com isso, iniciou o movimento por reavivar e executar a música instrumental mais antiga, até então bastante esquecida.

Alguns compositores e músicos conheciam e apreciavam a sua obra, dentre eles Haydn, Mozart e Beethoven. Com a sua morte, os estudiosos de música marcam o fim da idade Barroca.

O Sistema de numeração BWV - O registro das obras de Bach foi elaborado por Wolfgang Schmieder e é conhecido pelas siglas "BWV", que significam Bach Werke Verzeichnis ('Catálogo de Obras de Bach'), publicado em 1950 tendo uma variante que usa a letra S no lugar de BWV, significando Schmieder.

O catálogo não é cronológico e sim organizado tematicamente:

BWV 1-524 são as cantatas, corais e canções sacras,

BWV 525-994 obras para orgão e outros instrumentos de teclado,

BWV 995-1000 musica para alaúde,

BWV 1001-1071 música de câmara e orquestral,

BWV 1072-1126 cânones e fugas.

Para a compilação do catálogo, apesar de quase metade da obra de Bach ter sido perdida ao longo do tempo, Schmieder seguiu grande parte da "Bach Gesellschaft Ausgabe" (edição da sociedade Bach), uma ampla edição dos trabalhos do compositor produzida entre 1850 e 1905.

Várias relações de Ilustres Maçons apontam JS Bach como membro de nossa Augusta Ordem, entretanto apenas o seu filho Johann Christian Bach realmente foi iniciado.

Para ouvir algumas obras citadas, acesse o link:
https://drive.google.com/drive/folders/0B4FphzZsBcqhUDBfbWx6UHlDdms?resourcekey=0-xV2qPleXTfu6zsZtLNwO-g&usp=sharing